La relación entre el cine y la pintura me
ha fascinado siempre. Se trata de dos lenguajes visuales radicalmente
diferentes y a la vez emparentados no por lo más obvio (que sería el color)
sino por una conexión íntima en el proceso creador de cineastas y pintores,
algo que tiene que ver con la memoria que se transmuta en tejidos, texturas,
movimiento, música y espesor cultural.
Por supuesto que la pintura tiene
movimiento y tiene música, y que el cine tiene texturas, que no es plano. ¿Eso
hace más sencillo mostrar la pintura a través del cine o hace el ejercicio más
complejo?
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| Matías Arnal con su padre, Enrique |
Hay grandes películas de ficción sobre
grandes pintores y su obra (la reciente Loving
Vincent, sobre Van Gogh es absolutamente extraordinaria y única), así como
hay otros films que sin ser malos, no llegan a representar la vida y obra del
artista elegido. Otros films no tienen la pretensión de superar
cinematográficamente la obra pictórica que los ha inspirado, sino simplemente
representar con la mayor fidelidad posible la obra de un artista e indagar
sobre sus motivaciones.
Esto último hace Matías Arnal en el
documental sobre su padre, Enrique Arnal:
el mundo de su memoria (2018 – 62 minutos), y lo hace con humildad, sin
buscar protagonismo como cineasta, concentrando en la pantalla obra pictórica que
quizás nunca más veremos (porque está en colecciones privadas) y tratando de
explicar con la voz del propio Enrique, la razón de ser de esa obra magnífica
nacida de un pintor autodidacta.
Siempre pensé que Quico Arnal era un
pintor excepcional, y no solamente por la calidad de su obra sino por su
personalidad. Me he llevado muy bien con los mejores pintores bolivianos,
quiero su obra (y la adquiero cuando puedo) y admiro su capacidad de pintar
compulsivamente todos los días. Mi querido Ricardo Pérez Alcalá, a falta de un
taller de pintura tenía dos en México, como si así pudiera duplicar el tiempo
que necesitaba para pintar. Recuerdo a
Gustavo y Raúl Lara, a Walter Solón Romero, a Luis Zilveti, a Gil Imaná, a
Lorgio Vaca y a otros amigos artistas, con las manos y el overol embadurnados
de pintura todos los días de su vida.
Y en cambio Quico era muy diferente en
ese sentido, una especie de lord inglés que deambulaba sin prisa por las calles
de La Paz y que podía pasar varios meses o incluso años sin pintar, pero en
algún momento se encerraba, se perdía de la vista de todos y de repente emergía
semanas después con una veintena de cuadros magníficos, siempre variaciones en
torno a un tema: montañas, desnudos, aparapitas, gallos, y otros que nos
sorprendían por su vigor innovador. Cada vez, Arnal se reinventaba. De cada uno
de esos periodos de aparente inactividad artística, surgía una nueva serie
sorprendente y diferente en su estilo y en su contenido.
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| Enrique Arnal |
El documental de Matías, narrado por el
propio Enrique (gracias a una larga entrevista que le hizo Alejandra Echazú),
me ayudó a entender esa relación íntima entre sus aparentes vacíos y sus
acometidas pictóricas. Y lo que entendí es que para cada serie había un hilo de
memoria que se iba tejiendo hasta convertirse en propuesta plástica. De ahí la
pertinencia del título del documental. Esos periodos de silencio aparecían como
vacíos, pero eran en realidad periodos de gestación y de maduración de frutos
nobles.
Para cada serie hay un referente en la
propia vida de Enrique Arnal, y eso Matías lo sintetiza hábilmente en el film
al establecer un paralelo entre: a) las vivencias de Quico desde niño, b) la
formación de su pensamiento y c) el desarrollo de su obra plástica.
Su primera experiencia vital, la de sus 8
primeros años de vida en el campamento minero de Huanuni, marcan su pensamiento
y su obra de manera indeleble. Su vida privilegiada en Huanuni dota a su mirada
sobre la vida y sobre el arte de una libertad absoluta. Sorprende la memoria que
conserva de esos años que formaron su espíritu rebelde, pero no de aquella
rebeldía estridente de los petardos que se evaporan con su propio humo, sino de
una manera de vivir ajeno a toda forma de domesticación, en su vida personal y
en su arte.
La “acumulación de percepciones” que
recoge en esos primeros años se irá desplegando en su pintura y en su filosofía
personal a lo largo de su vida, pero no como una traslación ordenada
cronológicamente sino como invasiones de la memoria en su pintura, que Matías
ha tenido la inteligencia de agrupar aunque pertenezcan a periodos diferentes
de la pintura. Así, el hilo de la memoria de Catavi, parece no perderse nunca,
y reaparece episódicamente en la obra figurativa como en la obra abstracta.
La vivencia del paisaje austero de las
minas y en general del altiplano al que se debe buena parte de la obra de
Arnal, se depura en la concepción general de su obra, sin llegar a ser una
posición dogmática, pero sí un derrotero artístico: eliminar lo superfluo para
ver el centro de las cosas. Así lo afirma en 1985 cuando se encontraba enfrascado en la
creación de su emblemática serie de montañas nevadas: “Lo superfluo nos impide
ver en una montaña lo esencial que tiene”. Destacar en un paisaje lo esencial
significa “resistir a la tentación de ser deslumbrados” por la belleza de la
naturaleza, en este caso de las montañas andinas.
En otras palabras, lo que Enrique Arnal
afirma en su obra es la importancia de no reproducir la realidad tal como es,
sino extraer de ella aquello trascendente, su esencia de belleza mística,
aunque para ello sea necesario llegar a la abstracción casi absoluta: formas y
colores que pueden resultar ajenos al común espectador si no conoce el
referente original.
Esto me lleva a afirmar que no existe
arte abstracto que no tenga un referente en la realidad concreta, y el arte
abstracto que se abstrae de la realidad no deja de ser un ejercicio mecánico de
mezcla de formas y colores sin transparencia.
De Catavi a Oruro (1940), luego a La Paz
(1941), a Buenos Aires (1945), luego invitado a Santiago (1952), como jugador profesional de rugby, después un breve periodo de comcentración en Machu Pichu
(etapa mística) y su regreso a Bolivia... el documental nos lleva por cada etapa
de la memoria de Enrique, aunque no toda esa memoria se exprese en su pintura. Curiosamente, aunque Matías ha hecho un trabajo de filigrana rescatando documentos filmados y
fotografías de cada etapa para contextualizar la vida familiar y el desarrollo
artístico de su padre, no queda completamente claro cómo y cuándo comenzó a pintar.
La dificultad de ver la mayor parte de la
obra de Arnal en un museo y la dispersión de sus 1.150 obras en colecciones
privadas hace que perdamos de vista facetas que el documental tiene la virtud
de devolvernos, por ejemplo, su gran pericia como retratista (Tamayo, Zavaleta).
El esfuerzo de agrupar la obra de Enrique Arnal nos permite también reconocer
la maestría con la que asimiló influencias de otros grandes artistas (Picasso,
Bacon, entre otros). “Repetirse es tedioso” le dice a Jorge Gestoso en una
entrevista, por eso cada nueva exposición de Enrique era una sorpresa.
La relación entre la música y la pintura
ha sido siempre muy estrecha. Los grandes pintores pintan con música y Arnal no
era una excepción. De ahí que uno aprecia en el documental de Matías la
habilidad de entretejer la música que le gustaba a su padre con la vigorosa
expresión de su pintura, de tal manera que la música se queda entre los
brochazos, no se desprende de la obra. Para cada serie de cuaros que presenta, selecciona la música que a Enrique le parecía la más adecuada.
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| Enrique Arnal fotografiado por Alfonso Gumucio en México, 1983 |
Otro acierto del realizador del
documental ha sido presentar cada una de las series de pintura (montañas,
caballos, cóndores, bodegones, aparapitas, desnudos, toros, piedras, etc), en
un estilo distinto: a veces con movimientos de cámara dentro del cuadro, a
veces alterando el fondo, los encuadres, utilizando fundidos, etc. En suma, un
hermoso homenaje al arte y al pensamiento de Enrique Arnal, extraordinario pintor boliviano.
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No hay arte abstracto. Siempre hay que empezar con algo. Es
preciso empezar siempre con algo. Después es posible eliminar todo rastro de
realidad.
—Pablo Picasso
